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Restrospectiva de Jessica Hausner
Por Ricardo Garijo
La directora y guionista austriaca Jessica Hausner se dio a conocer al mundo cuando su película Lovely Rita (2001) formó parte de la categoría Un Certain Regard del prestigioso Festival de Cannes. Esto sería una tónica que se repetiría, ya que no sólo su ópera prima, sino sus siguientes tres largometrajes se estrenarían en dicha categoría, hasta que en la edición pasada de Cannes, su nuevo film, Little Joe (2019) diera el salto a la categoría principal, valiéndole a Hausner una nominación a la Palm D’Or.
Estos veinte años han servido para que Hausner se adentrase cada vez más en un estilo de autor, que se presenta no sólo en su forma de dirigir, sino también en sus guiones, ya que ella es la responsable de firmar todos los guiones de sus películas.
Sus historias, parten de un mismo punto, una protagonista femenina que, por algún motivo, resulta ser una forastera. Todas ellas rodeadas por un entorno hostil, que surge en la mayoría de los casos de la propia naturaleza humana, la cual retrata como celosa, egoísta y desconsiderada. Siendo así, revierte intangible lo que impide que sus protagonistas terminen de conectar con los que les rodean. Otra de sus cualidades es su gran uso de la ambigüedad, de tal manera que sus finales quedan abiertos a la interpretación de los espectadores; nunca dudando del intelecto de la audiencia y exigiendo que ellos mismos saquen una conclusión, lo cual invita a una posterior reflexión que acompaña mucho después de los créditos.
Algo similar sucede con su característico estilo de dirección, que se fundamenta en un estilo clásico y casi austero a nivel de planificación, respetando mucho la composición y apoyándose en los tercios para conseguir bellos encuadres. Con el paso de los años se ha decantado por ir reduciendo la cantidad de planos con los que decide contar las escenas, y eliminando cualquier movimiento de cámara que no entienda del todo necesario.
Esto determina que el ritmo de sus cintas se vaya ralentizando con cada filme, ya que los planos duran más, tienen una cualidad bastante estática, y el peso del montaje recae en el ritmo interno de los planos. Lo cual logra gracias a las notables interpretaciones de actrices de la talla de Sylvie Testud, Léa Seydoux, o Emily Beecham, a quien su papel en Little Joe le valió el premio a Mejor Actriz en Cannes. Pero además de ellas, que comparten pantalla con nombres como Ben Whishaw o Christian Friedel, también cabe destacar su habilidad al encontrar talento en actrices menos conocidas como Birte Schnöink o Franziska Weisz.
Hotel
Si Lovely Rita fue su carta de presentación, Hotel (2004) es el título que terminó de asentarla como una directora a seguir. Hotel trata sobre una recepcionista que acepta un trabajo en un remoto hotel de la Austria profunda. allí descubrirá que la chica que ocupaba su puesto desapareció sin dejar mayor rastro. Un thriller psicológico de presupuesto limitado que muestra cómo con poco se puede conseguir mucho, sobre todo en cuanto a tensión se refiere. Desde algo tan sencillo como aspirar a recordarnos el miedo a la oscuridad que sentíamos durante la infancia. Pero lejos de quedarse en la superficie del artilugio, abarca temas muy distintos como la desconfianza hacia aquellos que nos rodean, lo sobrenatural y, más interesante aun, el rol de la identidad, ya que con el paso del metraje nosotros, al igual que la protagonista, nos preguntamos si ella ha venido a ocupar el puesto de la joven desaparecida en más de un sentido.
Lourdes
Lourdes (2009) fue su siguiente película, y representaría un gran salto a nivel de dirección, siempre siendo fiel a su propio estilo. En esta cinta seguimos el peregrinaje a Lourdes (Francia) de una joven que padece de un severo caso de esclerosis. Una vez allí, poco a poco, tiene una mejoría en su salud, hasta el punto en que todos, ella incluida, se cuestionan si se hallan ante un milagro. En esta ocasión la historia presenta fuertes paralelismos con la parábola del hijo prodigo, donde se ponen en cuestionamiento diversos asuntos: si Dios existe, cómo decide a quién otorgar las pruebas de fe y su posterior recompensa. La planificación se vuelve mucho más estática y acentúa una predilección de la directora, que hasta entonces solo asomaba tímidamente en su filmografía, por el tratamiento del espacio fuera del encuadre y su manera de crear tensión dramática con ello. En un nivel plástico también marcará un antes y un después ya que se hace patente que con un mayor presupuesto logra elevar de manera exponencial el poder visual de sus imágenes. Una característica que destaca es su tratamiento del color, optando por azules y un rojo saturado que se corresponden a la mayoría de imágenes pictóricas, que representan el momento en el que la Virgen María se le apareció a la joven Bernadette en una gruta a las afueras de Lourdes.
Amour Fou
Si en Lourdes las imágenes tienen un fuerte elemento pictórico, en Amour Fou (2014) cada plano podría tratarse de un cuadro de Vermeer o de alguno de sus coetáneos pertenecientes al barroco flamenco. En esta cinta la directora austriaca cuenta una historia de la época del romanticismo alemán, basada en hechos reales, concretamente los relacionados con la muerte del poeta Heinrich von Kleist. En el film se aborda la presencia de la depresión y los trastornos psicológicos en la época que precedió a la Secesión de Viena, por lo que los médicos aún se encontraban en la oscuridad sobre dichos males. Su propuesta visual adquiere un toque metanarrativo, ya que consigue contar una historia del romanticismo alemán de forma similar a lo que evocan las obras de dicho período artístico. Hausner también aprovecha el filme para seguir investigando en su propio lenguaje y, mediante la presencia de espejos en la decoración de los espacios, casi consigue eliminar el concepto del plano contra plano. Su cuidado por hasta el mínimo detalle crea una bella amalgama contradictoria, donde pareciera que reduce al mínimo posible la planificación, eliminando cualquier exceso; lo que a su vez contrasta con el carácter recargado propio de las cintas de época.
Little Joe
El Festival D’A dedica esta retrospectiva a la directora austriaca con motivo del estreno de su última cinta, Little Joe(2019). La historia trata sobre cómo el personaje interpretado por la antes mencionada Emily Beecham, inventa una nueva cepa de planta: Little Joe, nombrada así en honor a su hijo. Dicha planta es capaz de segregar hormonas que causan la felicidad en los seres humanos que aspiran su fragancia. El problema surge ante la posibilidad de que Little Joe que fue diseñada asexual, debido a una inesperada mutación esté manipulando a humanos mediante su polen, con objeto de conseguir una simbiosis que le permita asegurar su existencia.
Hausner continúa su senda de cine de autor presentando el que podría ser su filme más accesible desde Hotel. Vuelve a trabajar, como de costumbre, la ambigüedad de la historia, ya que es el espectador quien debe asumir si Little Joe de hecho está manipulando a sus “huéspedes” o si todo es fruto de la paranoia de la protagonista. Algo, que debido a la epidemia del COVID, adquirirá una nueva verosimilitud sobre lo fácil que es, que un nuevo “virus” se propague. El estar ambientada en Inglaterra resulta un acierto para la trama, ya que esa flema británica cargada de sarcasmo y doble sentido crea un vaivén en la veracidad e intenciones de los personajes, jugando mucho al narrador sospechoso.
Su planificación continúa por un camino similar a la de sus anteriores trabajos, resolviendo muchas escenas con planos secuencia y, como en toda su filmografía, pocas veces cerrando el plano más allá de un plano medio. Pero en otros aspectos, a diferencia de lo apuntado en el resto de sus películas, presenta propuestas que vienen a ser contrarias al lenguaje fílmico que había desarrollado hasta el momento. Por ejemplo, la mayoría de los planos contienen movimiento de cámara, lo cual les dota de un mayor ritmo. De ahí que para un gran número de espectadores posiblemente resulte una de sus películas más accesibles.
Los movimientos son siempre limpios y cuidados, siendo trabajados mediante travellings o zooms mecánicos, evitando la cámara en mano. Pero, al igual que en sus planteamientos anteriores, no teme llevarlos al extremo terminando, en ocasiones, con encuadres vacíos. Esto refuerza aún más su intento por experimentar con lo que permanece fuera del encuadre, algo que viene muy bien para apoyar la tensión dramática que busca, creando de manera habitual un sentimiento de inquietud en el que el espectador cree estarse perdiendo algo que quizás podría aclarar la ambigüedad en la trama.
Otro hecho diferente al resto de su filmografía es que, por primera vez, la película cuenta con música extradiegética en su banda sonora. Si bien hasta ahora la música siempre había sido diegética (audible para los personajes) y escasa en su uso, ahora se decanta por unas piezas de toque experimental llenas de ladridos y cacofonías.
Tan extraño como sus historias es el hecho de que Hausner y sus películas no sean más conocidas en el territorio español, ya que todas cuentan con guiones sólidos, maravillosas interpretaciones y toda una declaración de intenciones por parte de la directora. Jamás teme experimentar, pero tampoco lo hace por pura estética o ego, sino que siempre se mantiene fiel y honesta a la historia que está contando, sin importar que esté navegando en el thriller y el suspense como en Hotel y en Little Joe, o en el drama puro como en Lourdes y AmourFou.
Cuando la joven pandilla de Cahiers du Cinema, con sus Truffaut, Godard y Resnais acuñaron el termino “cine de autor” hacían referencia a filmografías tan espléndidas y personales como pueda ser ahora la de Hausner. Es de agradecer que su retrospectiva haya encontrado su hogar en un festival como D’A.